اگرچه دنیای انیمیشن درها را برای انواع نامحدود داستان باز کرده است، در عین حال، بی حد و حصر بودن آن هم به قیمت نیروی انسانی‌ست.
بخش‌های بیشماری از تولید فیلم انیمیشن همه توسط یک کارگردان نظارت می شود. در حالی که می‌تواند یک کار کاملا طاقت فرسا به نظر برسد، اما کارگردانی یک فیلم انیمیشن را می توان به سادگی تقسیم بندی کرد.
در این مقاله استودیو فردا، اصول کارگردانی انیمیشن، مراحل ایجاد آن و وطایف کارگردان انیمیشن در طول تولید را بررسی می کنیم.
اساس هر فیلم، نه فقط انیمیشن، داستان است. داستان قلب و روح یک فیلم است و هر انتخابی که یک کارگردان انجام می دهد تعیین می کند.
کارگردانان تهیه کننده داستان هستند. آنها باید اطمینان حاصل کنند که داستان و فیلمنامه به اندازه کافی محکم است که بقیه فیلم می تواند از آن نشأت بگیرد. درسهایی از فیلمنامه نویسی فرآیند چگونگی کارگردانی و نویسندگی در انیمیشن Inside Out را در ویدیوی زیر ببینید.
بسیار مهم است که طرح، همراه با شخصیت های قوی و عناصر داستان، تا جایی که ممکن است قوی کار شود.
این کار باید قبل از ادامه مراحل دیگر تولید انجام شود. یک کارگردان باید قبل از حرکت به سمت داستان نویسی فیلم، بینش و درک روشنی از داستان فیلم و مضامین آن داشته باشد.
هنگامی که فیلمنامه به پیش نویس نهایی رسید، به صحنه‌ها تقسیم می‌شود. این صحنه‌ها به صورت داستانی طراحی شده و به شکل پانل‌هایی کشیده می‌شوند. استوری برد، طرح‌های اولیه‌ای از صحنه های فیلم است.
طراحی استوری برد به کارگردانی انیمیشن این را اجازه می دهد تا دنباله‌های داستان را تجسم کند. همچنین به سایر ایده پردازان اجازه می‌دهد ایده‌هایی را ارائه دهند. در طی این فرایند، کارگردان تعیین می‌کند که چه چیزی در داستان کار درست است و چه چیزی نیست. سپس تغییرات مناسب ایجاد می‌شود.
در اینجا ویدئویی از نحوه طراحی استوری بورد و روند همکاری در ساخت انیمیشن دانشگاه هیولاها وجود دارد.
این مرحله بسیار مشارکتی است، اما در آن کارگردان حرف آخر را می زند و مسئولیت زیادی را بر دوش کارگردانی می گذارد که پیشنهادات را می پذیرد و تغییراتی را ایجاد می کند تا به بهترین نحو به داستان فیلم را بسازد.
هنگامی که استوری برد کامل شد، سپس با هم برش داده می شوند و به صورت انیماتیک در می آیند. انیماتیک کات های انیمیشن نقشه اصلی فیلم هستند . ممکن است شامل طرح، صداگذاری، موسیقی اولیه و جلوه های صوتی باشد.
کارگردان با هماهنگی تیم ادیت تا قدم زدن، گفتگو را تعیین کند و اطمینان حاصل کند تا ضرباهنگ داستان به خوبی ایجاد شود. انیماتیک معمولاً به کارگردان و تهیه کنندگان پروژه ارایه می شود تا دوباره همه چیز را از نو بررسی کننذشود. در اینجا یک نمونه انیمیشن از تیم تولید سیمپسونها را تماشا می کنید.
در این مرحله، کارگردان درباره نحوه شکل گیری فیلم نظر می دهد. ضرباهنگ داستان، دیالوگ و ساختار همه توسط کارگردان تغییر می کند. اغلب دومین بازنویسی فیلمنامه بر اساس مشکلاتی است که هنگام مرور این تصاویر متحرک کشف می شود.
هنگامی که فیلمنامه به طور رسمی تکمیل شد، کارگردان صداپیشگانی را برای شخصیت‌های جداگانه انتخاب می کند. فرایند بازیگری بسیار مهم است و می‌تواند محصول نهایی یک فیلم را به شدت تحت تأثیر قرار دهد.
هنگامی که بازیگران انتخاب می شوند ، آنها برای ضبط آخرین دیالوگ بر روی فیلم متحرک آورده می شوند.
به طور معمول، صداگذاری قبل از انیمیشن ضبط می‌شود تا حالات چهره شخصیت‌ها در اجرای صدا متحرک شود. اما انیمیشن های هایائو میازاکی، مدیر و بنیانگذار استودیو گیبلی، قبل از ضبط صدا انیمیت می شوند. این تصمیم سبک متمایزی را در کار او ایجاد کرده است.
پس از ضبط دیالوگ، جلوه‌های بصری فیلم توسعه می یابد. اینجاست که واقعاً سبک بصری و زیبایی شناسی فیلم شکل می گیرد. طراحان مفهومی محیط، ظاهر شخصیت، لوازم جانبی و پالت رنگ را ایجاد می کنند که به ایده ای منسجم از دنیای فیلم کمک می کند.
Spider-Man: Into the Spider-Verse به دلیل زیبایی کمیک بوک معروف است. جلوه‌های بصری خلاقانه بخشی از آن است که آن را به یکی از بهترین فیلمهای متحرک تمام دوران تبدیل کرده است. این پیشرفت بصری قبل از رسیدن هنرمندان به ظاهر منحصر به فرد و نهایی، نیاز به اندیشه و آزمایش فراوان داشت.
از این ویدئو می توانید متوجه شوید که یک کارگردان چقدر باید به جزئیات توجه داشته باشد. پر کردن ساختمان ها، اتوبوس ها و شهرها همگی جهان منسجمی را ایجاد می‌کنند که داستان در آن اتفاق می‌افتد.
در حین پیش تصویری یا پیش نمایش، هنرمندان از فیلمنامه، استوری بورد، نقاشی و ضبط صدا استفاده می کنند تا فیلم را برای اولین بار در محیطی سه بعدی ایجاد کنند. این کار اصلی است که منجر به ایجاد انیمیشن می‌شود. و این آخرین فرصت برای تنظیم دقیق تصاویر از جمله مسدود کردن و صحنه سازی و حرکات دوربین است.
در این مرحله کارگردانان ایده‌های خود را بین هنرمندان رد و بدل می‌کنند. مانند بقیه تولیدات، آنها باید اطمینان حاصل کنند که اولین ساخته‌های سه بعدی فیلم در جهت درست است.
اگر هنرمندان در حین پیش نمایش انیمیشن‌هایی بسازند که در مقیاس بزرگ هستند، اغلب می‌توان آنها را مستقیماً به تولید و انیمیشن برد. کار دقیق در هنگام پیش تجسم می‌تواند واقعاً روند انیمیشن را آغاز کند. مهم این است که کارگردان در این مرحله آماده باشد.
مرحله مهم در کارگردانی فیلم انیمیشن، تولید و متجرک ساختن است. جنبه‌های مختلفی در این مرحله متحرک می‌شوند مانند شخصیت‌ها ، جمعیت ، لباس پوشیدن و نماهای کاراکتر.
برای یک کارگردان مهم است که نقاط قوت تیم خود را بشناسد و بتواند وظایف خود را بر این اساس واگذار کند. برخی از هنرمندان در ایجاد انیمیشن واقعی شخصیت بهتر عمل می کنند در حالی که برخی دیگر در ایجاد محیط و تنظیمات بهتر عمل می کنند.
در این مرحله هنرمندان انیمیشن های خود را به کارگردان ارائه می دهند. مدیران باید انتقادی داشته باشند و بازخوردهای سازنده ای ارائه دهند که تولید را به جلو سوق دهد. در اینجا نمونه ای از این روند در تولید موآنا آورده شده است.
کارگردانان همچنین برای ایجاد عناصر سینمایی از طریق انیمیشن با سینماگران همکاری نزدیکی دارند. نورپردازی ، حرکت دوربین و عمق میدان همه با محیط متحرک سازگار شده است. کلاوس با استفاده از تکنیک های نورپردازی ، نمای سه بعدی برای فیلم دو بعدی خود ایجاد کرد.
کارگردانان باید مطمئن شوند که توسعه بصری یک فیلم نه تنها باعث می شود فیلم سینمایی به نظر برسد ، بلکه اطمینان حاصل کنند که به داستان فیلم نیز کمک می کند.
یکی از مهمترین انیمیشن است، مرحله کامپوزیتینگ است. این را به عنوان پس تولید در نظر بگیرید که در آن مواد متحرک برای منابع مختلف جمع آوری شده و برای ایجاد فریم های نهایی یک فیلم صیقل داده می شوند. منظور از کامپوزیتینگ این است که نماها و صحنه های یک فیلم یکپارچه به نظر برسد.
فریم های نهایی ارائه شده با نور ، عمق میدان و سایر عناصر جوی پر می شوند. این اولین بار است که کارگردان مجموعه قطعات متحرک را با هم می بیند. آنها بازخوردی را ارائه می دهند که می تواند شامل افزودن ، حذف یا تغییر عناصر بصری بر اساس قضاوت خلاقانه آنها باشد. اینجاست که یک عکس خوب می تواند عالی و سینمایی شود.
پس از ترکیب همه صحنه ها ، ویرایش نهایی باید قفل شود. این بدان معناست که هیچ تغییر عمده دیگری نمی تواند در دنباله بصری فیلم ایجاد شود. پس از قفل شدن ویرایش ، طراحان صدا و هنرمندان فولی دست به کار می شوند تا جلوه های صوتی فیلم را ایجاد کنند.
ویدئوی زیر را درباره WALL-E پیکسار ببینید تا ببینید چقدر طراحی صدا برای قصه گویی بدون دیالوگ مهم است.
علاوه بر طراحی صدا، نمره فیلم نیز در این مرحله ایجاد می شود. کارگردان به شدت با آهنگساز فیلم همکاری می‌کند تا از طریق موسیقی حال و هوا را هدایت کند. کارگردان همچنین درباره طراحی صدا بازخورد و جهت می‌دهد تا اطمینان حاصل شود که در بیان داستان کمک می‌کند.
اصلاح رنگ آخرین مرحله تولید است. همه چیز باید قبل از این مرحله قفل شود. درجه بندی رنگ واقعا می تواند یک فیلم را با جنب و جوش زنده کند. کارگردانان همچنین باید اطمینان حاصل کنند که از رنگ ها و پالت برای تقویت داستان و لحن کلی فیلم استفاده می شود.
اصلاح رنگ ها در طول مراحل انیمیشن به دلیل میزان کنترل رنگ آمیزی رنگ با فیلم های زنده متفاوت است. دنیای فیلم های متحرک به طور معمول بسیار رنگارنگ و پر جنب و جوش است و بنابراین نیاز به جهت گیری مشخصی دارد.
کارگردانی یک فیلم متحرک می تواند بسیار زیاد به نظر برسد ، اما به کارگردانان نیز اجازه می دهد کنترل خلاقانه تری نسبت به گذشته داشته باشند. توانایی کنترل همه جنبه های فیلم منحصر به انیمیشن است. از اشکال و رنگ گرفته تا دیالوگ و طراحی صدا ، فیلم های متحرک به برخی از خلاق ترین کارگردانان اجازه داده اند تا داستانهای باورنکردنی را بیان کنند.
انیمه چیست؟ سرآغاز، تکامل و نمونه های مدرن...
استودیو فردا
دیدگاه خود را ثبت کنید
تمایل دارید در گفتگوها شرکت کنید؟در گفتگو ها شرکت کنید.